Петров-Водкин Кузьма Сергеевич

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин (1878–1939) — выдающийся русский и советский живописец, график, театральный художник и писатель, чьё творчество занимает уникальное место в искусстве первой трети XX века. Его работы, выделяющиеся на фоне современников, не только обогатили художественный процесс, но и предложили новые пути восприятия и изображения мира, синтезируя древнерусские иконописные традиции с авангардными исканиями эпохи.

Ранние Годы и Становление (1878–1910)

Родившись в волжском захолустье, сын сапожника, Петров-Водкин проделал стремительный путь от первых робких художественных опытов до признания в центрах европейской культуры. Начальное художественное образование он получил в Классах живописи и рисования Ф. Е. Бурова в Самаре. В 1895 году, благодаря поддержке меценатов, он переехал в Петербург, где поступил в Центральное училище технического рисования барона Штиглица (ЦУТР). Осознав своё живописное призвание, спустя два года Петров-Водкин продолжил обучение в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), которое окончил в 1904 году. Здесь ему посчастливилось работать в мастерской выдающегося художника В. А. Серова, который отмечал: «У Вас замечательный аппарат, он работает в точности и великолепно. Вы умеете брать натуру и делать из нее живопись».

Период обучения в МУЖВЗ также был отмечен интенсивными литературными занятиями, заставлявшими художника колебаться между живописью и прозой, а также драматургией (он закончил пьесу «Жертвенные»). Однако увлеченность рисунком, возникшая после четырехмесячной поездки в Италию в 1905 году, окончательно определила его выбор в пользу изобразительного искусства. В Италии Петров-Водкин изучал не столько мастеров позднего Возрождения, сколько художников Проторенессанса и раннего Возрождения: Джованни Беллини, Пьеро делла Франческа, Чимабуэ, Мазаччо, Джотто, привлеченные монументальной лаконичностью их образов.

После окончания МУЖВЗ в 1906 году он на некоторое время переехал в Париж, а затем, в 1907 году, предпринял трехмесячную поездку в Африку, результатом которой стали около двухсот рисунков, акварелей и этюдов маслом. Эти работы, отличающиеся скромной колористикой, но точной передачей образов людей и среды, привлекли внимание известного критика Сергея Маковского, редактора журнала «Аполлон». Маковский организовал первую персональную выставку Петрова-Водкина в редакции журнала в 1909 году, где были представлены африканские и парижские работы. Ранний период творчества отмечен символистской ориентацией в таких работах, как «Эгитаф», «Каменный остров», «Прометей» (все 1904), «Элегия» (1906), «Берег» (1908) и «Сон» (1910), которая вызвала бурную полемику, принеся художнику широкую известность и став предметом споров между И. Е. Репиным и А. Н. Бенуа.

Формирование Уникального Стиля (1911–1917)

В 1910 году Кузьма Сергеевич стал членом объединения «Мир искусства», с которым был связан до его роспуска в 1924 году. В первые годы после возвращения в Россию художник активно искал пути создания своего индивидуального стиля, тяготея к монументальному обобщению и выполняя заказы по росписи новых церквей. К этому периоду относятся картины «Юность» (1912) и «Играющие мальчики» (1911), построенные на ритмическом движении фигур.

Решающее значение для творческого роста Петрова-Водкина имело открытие древнерусской иконописи. В 1911–1912 годах он увидел в частных собраниях Москвы первые расчищенные иконы XIV–XV веков, которые произвели на него огромное впечатление. Истинно монументальный высокий стиль этих произведений был творчески воспринят художником, подсказав путь к выражению идей и чувств в монументальной форме. Это открытие, наряду с красотой родной земли, стало определяющим в его творческих поисках.

Первой картиной на этом пути стало знаменитое «Купание красного коня» (1912). Изначально задуманная как жанровая сценка на Волге, под влиянием иконописи она преобразилась в мощный символ. Центром композиции стал пылающий, огнеподобный конь, отсылающий к образам Георгия Победоносца, ставший символом могучей воли и грядущих перемен. Организаторы выставки «Мир искусства» 1912 года сразу оценили значение полотна, поместив его как знамя над входом.

Вслед за «Купанием красного коня» появились работы «Мать» (начата в 1911, показана в 1913) и «Девушки на Волге» (1915). В этих произведениях, также изначально решенных в бытовом плане, но переосмысленных после знакомства с иконописью, Петров-Водкин создаёт обобщенные, монументальные образы, воплощающие идеи материнской любви, человеческого счастья и идеального типа русской женщины. Маковский С. подчёркивал: «Восприятие Петрова-Водкина подлинно индивидуально; в сознательной «неправильности» его анатомии — большая убедительность. Это не стилизация, а стиль, не деформация академической пластики по тому или другому рецепту, а непосредственное формотворчество. Метод его работы близок к методу старинных мастеров».

В эти годы Кузьма Сергеевич разработал свою систему трехцветия, полагая, что все колористическое богатство мира основано на трех главных цветах спектра — красном, синем и желтом. Композиции, построенные на этих цветах различной тональности, позволяли создавать наиболее сильные и чистые гармонии. Примеры этого метода — картины «Утро. Купальщицы» и «Полдень. Лето» (обе — 1917). В «Полдне. Лето» впервые отчётливо проявился его метод изображения пространства на плоскости холста, названный им сферической перспективой.

Революционная Эпоха и Зрелый Мастер (1917–1939)

Октябрьскую революцию К. С. Петров-Водкин принял одним из первых в художественной среде Петрограда, активно включившись в процесс формирования новой культуры и искусства. Летом 1918 года он стал профессором живописи Высшего художественного училища, созданного после ликвидации Академии художеств. В этот период он выполнял плакаты, оформлял журналы, делал иллюстрации и создавал серии натюрмортов, где отыскивал средства для передачи сути вещей, например, «Утренний натюрморт» (1918), «Натюрморт с зеркалом» (1919), «Натюрморт с синей пепельницей» (1920), а также пронзительные «Селедка» (1918) и «Скрипка» (1918), красноречиво передающие суровый дух времени.

Символические элементы, характерные для ранних работ, не исчезли, но приобрели живую связь с революционной действительностью. Картина «1918 год в Петрограде» (1920), известная также как «Петроградская мадонна», расширяет историко-бытовой сюжет до обобщенного образа матери-хранительницы, черпая вдохновение из ранних итальянских фресок и древнерусских икон. Позднее появились картины «После боя» (1923) и «Смерть комиссара» (1928), написанная к десятилетию Красной Армии, в которой наиболее полно выразилось его видение земли как планеты через сферическую перспективу.

«Сферическая перспектива» Петрова-Водкина — это уникальный метод изображения пространства, который исходит из осознания шарообразности Земли и динамического восприятия зрителем. Художник считал, что наше восприятие пространства неизменно связано с нахождением на шарообразной планете, что должно находить отражение в искусстве. Он прибегал к наклонному изображению фигур и объектов на картинной плоскости, утверждая, что все вертикали на Земле должны находиться в наклонном положении друг к другу, что усиливало динамику композиции. Этот принцип ярко выражен в работах «Юноша» (1915), «Купающиеся мальчики» (1916), «Первые шаги» (1925), «Утро в детской» (1925), «В Шувалове» (1926), «Смерть комиссара» (1928) и «Весна» (1935).

В течение 1920-х и 1930-х годов Петров-Водкин активно работал над портретами. Особое место занимает «Портрет Анны Ахматовой» (1922), где он раскрыл строгую сосредоточенность и работу мысли поэтессы, изобразив за её головой образ музы-вдохновительницы. В других портретах 20-х годов, таких как «Девушка в красном платке» (1925), «Девушка в сарафане» (1928) и «Девушка у окна» (1928), его интересовало не столько индивидуальное, сколько типическое в образах советских девушек, сохраняющих черты русских крестьянок.

На рубеже 1920-х и 1930-х годов, вынужденный из-за болезни легких временно оставить живопись (1928–1932), Петров-Водкин вновь обратился к литературному творчеству. Тогда были написаны его автобиографические повести «Хлыновск» и «Пространство Эвклида», в которых он подробно изложил свои взгляды на природу искусства и собственный творческий путь. «Самаркандия» была написана в 1923 году после поездки в Среднюю Азию в 1921 году.

После притупления болезни, с 1934 года Кузьма Сергеевич вернулся к живописи, сосредоточившись на историко-революционных композициях. Так родилась картина «1919 год. Тревога» (1934), ярко передающая образно-колористическое звучание тревожных дней Гражданской войны. Последней крупной работой мастера стало полотно «Новоселье» (1937), выполненное для выставки «Индустрия социализма», но не допущенное жюри к экспозиции и переданное в запасник Третьяковской галереи.

Философия и Значение Творчества

Творчество Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина — это искусство большого масштаба, синтезирующее традиции древнерусской живописи, классического искусства, а также идеи Александра Иванова, Венецианова и Врубеля. Он владел уникальным художественным языком, отличавшимся неожиданностью и красотой. Петров-Водкин рассматривал живопись как инструмент совершенствования человеческой природы, стремясь обнаружить в человеке проявление вечных законов мирового устройства и олицетворить связь космических сил в каждом конкретном изображении.

Его художественная философия выражена в таких постулатах: «Искусство, базируясь на фактической встрече с предметом, менее всего признает «чудеса истины», оно всегда и во все времена идет вразрез с «аксиомами» о «параллельных». И только благодаря этой его способности произведения искусства, овладев зрителем, становятся для него импульсом, отрывающим от ошибочных привычных восприятий, и обогащает его новыми, ближе к органической полноте, ощущениями предметов, явлений…» и «В искусстве есть закон для художника: что не для тебя — то никому не нужно. Если твоя работа не совершенствует тебя — другого она бессильна усовершенствовать, а иной социальной задачи, как улучшение человеческого вида, и нет…».

Присущая творчеству Петрова-Водкина ориентация на вечные ценности не могла быть полностью принята советской идеологией сталинского времени. После его смерти имя художника оказалось полузабытым и было заново открыто лишь в середине 1960-х годов, что позволило в полной мере осознать истинный масштаб его дарования и ценность творческого наследия. В его искусстве целостно отобразился парадоксальный строй личности: с одной стороны, провинциально-цепкое, хозяйски-бережливое отношение к материалу духовной деятельности, с другой — космический размах гипотез, проектов, удивительная свобода мышления и интеллектуальное бескорыстие.

Основные Темы и Серии

• Ранний символизм
• Африка
• Самарканд
• Система трехцветия
• Материнство
• «Церковный модерн»
• «Сферическая» перспектива
• «Слушая революцию..»
• «Реалистический символизм»
• Анатомия тела
• Работа в театре
• Портреты
• Советская девушка
• Портреты жены и дочери

Музеи, хранящие произведения Кузьмы Петрова-Водкина

• Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
• Государственная Третьяковская галерея, Москва
• Центральный государственный архив литературы и искусства (ЦГАЛИ), Москва
• Национальная галерея Армении, Ереван
• Пермская художественная галерея
• Государственный театральный музей им. А.А.Бахрушина, Москва
• Государственный художественный музей Эстонии, Таллин
• Киевский государственный музей русского искусства
• Саратовский художественный музей
• Астраханская областная картинная галерея
• Волгоградский музей изобразительных искусств
• Государственный художественный музей Латвии, Рига
• Государственный центральный музей современной политической истории России, Москва
• Дальневосточный художественный музей, Хабаровск
• Кировский художественный музей им. Васнецовых
• Краснодарский краевой художественный музей
• Курская государственная картинная галерея
• Музей А.С.Пушкина, Москва
• Одесский художественный музей
• Псковский музей-заповедник
• Ставропольский музей изобразительных искусств
• Харьковский государственный музей изобразительных искусств
• Центральный музей Вооруженных Сил, Москва
• Частные собрания